Mezzo mondo si è divertito a generare meme “in stile Studio Ghibli” grazie ai nuovi strumenti text-to-image resi disponibili da OpenAI. Queste creazioni sono state accolte con entusiasmo da alcuni e con scandalo da altri, in particolare da chi le considera un “plagio” o un’appropriazione indebita dello stile e dei personaggi del celebre studio giapponese.

A ben guardare però, le immagini incriminate o sono delle banali foto di famiglia rivisitate o dei meme, in entrambi i casi contenuti decontestualizzati per fini ludici e non commerciali. I meme basati su immagini dello Studio Ghibli inoltre esistevano da prima del boom dell’IA, erano fatti con immagini tratte dai film di animazione dell’autore e la cosa non aveva sconvolto né lui né il pubblico.

Perché ci scandalizziamo solo ora, se i meme esistono da un pezzo? È ovvio che il problema sia l’IA e infatti nel dibattito è stato spesso tirato in ballo un video del 2016 con Hayao Miyazaki, in cui il maestro reagiva con sdegno a un’animazione sperimentale basata su intelligenza artificiale raffigurante creature simili a zombie. Il video, tuttavia, va contestualizzato: all’epoca, le soluzioni AI erano ancora in una fase embrionale e l’effetto grottesco di quelle immagini urtava la sensibilità di Miyazaki, da sempre attento a una rappresentazione empatica dei personaggi. Non sappiamo se la sua posizione si sia evoluta a fronte degli sviluppi attuali o se rimanga la stessa, considerando il tradizionale approccio conservatore di Studio Ghibli in ambito tecnologico. Quel vecchio video continua a essere citato come prova di una presunta opposizione categorica alle nuove forme di IA, ma la casa di produzione ha rilasciato solo un laconico “no comment” sull’ondata di meme – ed è ironico notare come persone in prima linea per difendere la volontà degli autori siano ben veloci a sovrapporvi la propria.

Queste riflessioni però non sono mai state metabolizzate dal grande pubblico, che è spesso affezionato a un’idea di arte di matrice romantica e individualista, legata al sacro operare di un genio (un mito a tutti gli effetti machista, come ci ha insegnato Nochlin nel ‘71). Ma sebbene il dibattito non sia presente a livello cosciente è stato comunque assimilato: l’avvento di internet e la diffusione dei meme, che procedono per decontestualizzazioni e risemantizzazioni, hanno mostrato quanto la rielaborazione massiva di immagini sia una pratica comune e spontanea, quasi un riflesso culturale. Con l’intelligenza artificiale, la questione della copia si è riaccesa senza ricordare che è parte di un percorso già ampiamente esplorato: l’arte e il pensiero filosofico, da Foucault a Barthes, da Baudrillard a Hito Steyerl, hanno dissodato il terreno, eppure si continua a dibattere come se nulla fosse cambiato.

È anzitutto necessario comprendere che l’immagine non è più uno specchio del reale, bensì un segno culturale, un frammento di linguaggio che vive di connessioni, rimandi e stratificazioni. Se Baudrillard parlava di “simulacro” per evidenziare il vuoto che si crea tra copia e realtà, e se Hito Steyerl ha analizzato l’iperproduzione e circolazione incessante delle immagini nel mondo digitale, oggi siamo di fronte a un ulteriore salto: la trasformazione da simulacro a ideogramma. L’immagine diventa un segno che vale non tanto per la sua eventuale corrispondenza con un referente, ma per la sua capacità di attivare significati condivisi.

In questo senso, non si tratta di proclamare la morte del realismo in assoluto, bensì di vedere come il realismo, inteso come “finestra sul mondo”, sia stato una parentesi storica determinata da precise condizioni culturali, a partire dal Rinascimento e poi con la fotografia, che consolidò l’idea di una riproduzione fedele della realtà. Ma in periodi ancora più antichi l’immagine aveva già una funzione fortemente simbolica, talvolta alfabetica, basti pensare ai geroglifici egizi o agli ideogrammi orientali. Non è quindi un salto in avanti, ma piuttosto un ritorno a una pratica in cui l’immagine è letta e usata come un codice.

Le generazioni più giovani, immerse in un universo di flussi visivi e comunicativi, interagiscono con le immagini come fossero ideogrammi: le interpretano istantaneamente e le ricombinano con leggerezza, senza percepire il bisogno di ancorarle a una matrice realistica. Da qui si comprende la frattura con chi invece vede ancora l’immagine come specchio di qualcosa di esterno, e vive la sua “appropriazione” come un attentato all’autenticità. Eppure la storia dell’arte e della filosofia ci insegna che l’evoluzione delle tecniche, dei linguaggi e delle loro funzioni è parte integrante del processo culturale. In questa luce, l’IA è un’ulteriore acceleratore di un processo di trasformazione della percezione delle immagini, verso una dimensione di puro segno condiviso: le immagini, che per la prima volta possono essere create con le parole, tornano anche a funzionare come parole, segni ideogrammatici.